Mezcla de opereta, zarzuela, revista e incluso cuplé, La corte de faraón es una página efectista y brillante, dotada de momentos inspirados que se han situado entre los más populares del género. La realidad es que sugiere sin herir y sólo quien conoce de qué va advierte su doble sentido, tan cierto como elegante. Sin ser ordinaria, ni grosera, lo que comienza como una parodia de la Aida de Verdi, se va convirtiendo en un particular tratamiento de la historia bíblica de José y su interpretación de los sueños del faraón.

El éxito de La corte de faraón fue espectacular y en 1911 se dio una función especial en el Teatro Real para que la familia real pudiera conocer lo que todo Madrid se sabía de memoria. Destacan momentos como la fanfarria inicial (“¡Victoria! ¡Victoria!”), el lírico canto de Lota, (“De Tebas soy yo, en Tebas nací”), y qué decir del coro de viudas (“Salud a la doncella”) y, sobre todo, los cuplés babilónicos (“Ay ba! Ay ba! Ay ba!”), popularísimos desde el primer día.

Se ofrecerán dos funciones el próximo domingo 13 de mayo, a las 18.00 y a las 21.00 horas.
 

Con el vídeo promocional del álbum, el historietista Saló describe cómo en 2008 tuvo lugar la mayor quiebra de la historia de España, Martinsa Fadesa, dejando un agujero de 7.000 millones de euros a los acreedores, la mayoría bancos y cajas de ahorro, que a su vez coincidió con el estallido de la burbuja y el desplome de la Bolsa.

Un año después, en 2009, Zapatero llevó a cabo un agresivo plan de estímulos que incluyó el polémico Plan E, dotado con 8.000 millones de euros y que básicamente sirvió para arreglar aceras. A los problemas económicos se unieron los problemas a la hora de colocar la deuda pública y las constantes subidas de la prima de riesgo de España.

En 2010 la Unión Europea, ante el temor a una quiebra de España, impone un giro a las políticas de ZP que se traducen en importantes recortes en gastos públicos y subida de impuestos, lo que implica una nueva caída de la economía. Mientras tanto, los bancos cortan el grifo del crédito asfixiando a consumidores y empresas.

La historia continúa en 2011 y Saló nos habla del “triángulo pasional” entre Administraciones Públicas, bancos y constructores e inmobiliarias, según el cual unos cubren a otros y todo en queda en casa; de las fusiones masivas entre cajas de ahorro o de las burbujas del fútbol y las autopistas de peaje.

Quizás una buena compra para los que no andan demasiado avanzados en temas económicos y quieran aprender un poco sobre la actual crisis.

Dentro del amplio grupo de artistas que encontraron en el paisaje un paraíso rural, fueron los pertenecientes a la Escuela de Barbizon los que mejor representaron la perfecta unión entre el hombre y la naturaleza. A partir de la década de 1830, Barbizon se convirtió en el sitio predilecto para los pintores que huían de París impulsados por la necesidad de establecer una relación sincera y armónica con la naturaleza. Así, en busca de la creación de un lugar evocador de serenidad y pureza, revolucionaron el género del paisaje al salir, por primera vez en la historia, a pintar en plein air y preocuparse por captar los fenómenos atmosféricos. Esta audacia anunció la gran transformación que estaba a punto de sufrir el arte de la mano de los impresionistas, quienes, partiendo de la experiencia de Barbizon, revolucionarían el concepto de la representación plástica.

De este modo, a finales del siglo XIX la pintura de paisaje se convirtió en protagonista imprescindible para el desarrollo del arte moderno cuando, como hemos visto, un siglo antes se consideraba un género menor. De todos los artistas que protagonizaron el movimiento impresionista, la exposición reúne obras de algunos de los más representativos, como Camille Pissarro o Pierre-Auguste Renoir, que abandonarán su interés inicial por representar la majestuosidad de la naturaleza para plasmar los instantes más sencillos de la vida en el campo. Su atención primordial residía en transmitir la emoción de un momento placentero a través del color así como del uso de una técnica de carácter más espontáneo y gestático. Vinculado en un principio al impresionismo gracias a su relación con Pissarro, otro de los grandes genios de la modernidad que están presentes en la muestra es Paul Gauguin. Este artista francés planteó una pintura de paisaje protagonizada por su propio paraíso personal: un mundo exótico, alejado de la sociedad occidental, que le permitía establecer una relación de total armonía con la naturaleza y de pureza espiritual.

La revolución impresionista marcaría un camino de no retorno para la historia de la pintura de paisaje no solo en Francia, donde surgirá el movimiento neoimpresionista gracias a la investigación en torno al color, como podemos apreciar en las obras de Henri-Edmond Cross, sino en el ámbito internacional. No podemos olvidar que, en el entorno norteamericano, existió un desarrollo paralelo propio del impresionismo de la mano de artistas como Childe Hassam, Edward Henry Potthast o John Singer Sargent. En España, fue Darío de Regoyos –miembro fundador, en Bruselas, del grupo Les XX y muy vinculado a la vanguardia internacional– el responsable de introducir estas novedades plásticas. En el resto de Europa muchos artistas continuaron sintiendo especial predilección por los lugares románticos, tal es el caso de Wilhelm Trübner, o incluso por representar una realidad cargada de simbolismo, como Edvard Munch, pero en todos los casos el acercamiento a la naturaleza resultará mucho más directo y libre para crear composiciones que serán reflejo de sus propios sentimientos a la vez que se convertirán en vehículo de innovación moderna.

Gracias al conjunto de obras presente, que abarca un recorrido cronológico desde el barroco hasta el siglo XX, pasando por el romanticismo, el naturalismo y el impresionismo, tenemos la oportunidad de contemplar un camino inédito por la pintura de paisaje, una vereda a través de espacios y lugares idílicos, serenos o armoniosos, que son imágenes de una naturaleza considerada, en muchos momentos, como el paraíso perdido.
 

Extraordinaria por su alcance, su calidad y su intimidad, la correspondencia empezó en 1944, poco después de que Kerouac y Ginsberg se conocieran, y prosiguió con pocas interrupciones hasta 1969, año del fallecimiento de Kerouac. Los dos hombres habían consagrado su vida a la literatura desde fecha muy temprana y sus cartas constituían un activo laboratorio en el que compartían y discutían sin cesar ideas en evolución constante. Se recomiendan libros, analizan autores y movimientos literarios, intercambian poemas, comentan críticamente los borradores de las nuevas obras y las respuestas que se dan contribuyen a determinar el siguiente paso.

En estas cartas descubrimos también vehementes autorretratos y una vívida reconstrucción de la escena cultural creada por ambos. Se describen viajes épicos (como el de Kerouac en 1952 de Nogales a Ciudad de México en un autobús destartalado para ver a Burroughs y los iluminadores recorridos que efectuó Ginsberg por Yucatán y Chiapas en 1954); ciertos momentos representativos se describen de un modo conmovedor y a menudo humorístico; y se detallan investigaciones espirituales.

Tanto si estaban de acuerdo como si seguían caminos intelectuales divergentes o se peleaban  continuaban carteándose con gran temple y emoción. En estas cartas vemos ante todo y sobre todo a Ginsberg y Kerouac como a escritores poseídos por la pasión artística, la innovación y el genio. El inquebrantable apoyo y el incesante estímulo de Ginsberg fueron fundamentales para Kerouac, y las innovaciones de éste orientaron decisivamente la obra de aquél.

Quizás una de las últimas grandes correspondencias a cuatro manos del siglo XX, revela no sólo los procesos creativos de dos maestros, sino también la andadura de una singular amistad, con gran fuerza emocional y profundidad espiritual. Vívida, absorbente y fascinante, es también el retrato incomparable de los dos escritores que encabezaron el movimiento cultural y artístico que definió a toda una generación.

Teatro Echegaray, Málaga

Idea original y guión: Síndrome Clown
Conferenciantes: Víctor Carretero y Práxedes Nieto
Dirección: Fernando Fabiani

Duración aproximada 1.10 h, sin intermedio

Funciones: Viernes 4 de mayo a las 21.00 horas y sábado 5 de mayo a las 20.00 horas

Como si de una “conferencia normal” se tratase, Víctor Carretero y Práxedes Nieto nos harán reflexionar sobre la felicidad del ser humano, la risa y sus beneficios, el optimismo y el pesimismo con el que afrontamos nuestro día a día, la crisis económico-social-artística que nos rodea y cómo todo ello influye en nuestro estado de ánimo. Mejor es posible es una “conferencia sin vergüenza” imprescindible para mejorar nuestra percepción de la vida, las perspectivas de nuestro negocio o nuestras relaciones personales y emocionales.

Durante once años Síndrome Clown han presentado seis espectáculos, con los que han girado por toda España, además de actuar en numerosas entregas de premios, galas, homenajes... Asimismo, con frecuencia han impartido cursos de clown como complemento a sus actuaciones. También compaginan el teatro con la televisión, participando habitualmente en programas de Canal Sur y Televisión Española.

Teatro Cervantes, Málaga

Viernes 11 de mayo a las 20.30 horas y sábado 12 de mayo a las 20.00 horas

Director: Arturo Tamayo

Soprano: Carole Sidney Louis

Variaciones para orquesta, Op.30, A. Webern
Variaciones sobre las variaciones, Op.30 de Webern, M. Hidalgo
Física, M. Hidalgo
Erwartung, A. Schöenberg

Pocas, muy pocas veces, se tiene la ocasión de escuchar, o reescuchar, a dos clásicos del siglo XX, como nos invita este programa de abono. Dos autores emblemáticos y dos obras igualmente señaladas del canon de la llamada creación contemporánea. Como maestro de ceremonias Arturo Tamayo, uno de los directores que mejor interpreta, y ama, este repertorio; como intermediaria, la Orquesta Filarmónica de Málaga, tan sensible a la contemporaneidad; y como testigo de excepción un malagueño de nacimiento con una sólida carrera forjada en la tierra y en la sensibilidad alemanas, Manuel Hidalgo (1956). Testigo, pero con voz, una personalísima voz que asoma en Física (1991) y retorna diez años después en su sentido homenaje a Webern.
Para comenzar, se debe reivindicar la expresividad como patrimonio de la música de Arnold Schoenberg (1874-1951) y Anton Webern (1883-1945). Lo dicen sus textos y lo dicen, sobre todo, sus músicas, entre ellas, Erwartung (La espera) y las Variaciones, Op.30. No renuncian estos compositores a la emoción, pero entendieron que el tiempo en el que vivían, los albores de la Primera Guerra Mundial y el fragor de la Segunda reclamaba nuevas maneras de hablar, de decir en música.   
Schoenberg se hallaba entonces, en torno a 1909, inmerso en un período de búsqueda, de alejamiento de los caminos transitados de la tonalidad. Erwartung es uno de los frutos de sus indagaciones. Se alza como el grito expresionista de una mujer, de “todo lo que ocurre durante un solo segundo de máxima excitación espiritual hasta llegar a la media hora”. Schoenberg nos habla de la relatividad del tiempo, del drama psicológico del individuo, de la nada, de la angustia, de la fugacidad y mentira del consuelo. Y lo hace con una nueva música escrita para gran orquesta en apenas diecisiete días.
Webern canaliza su interioridad, sus ansias líricas, guiado por un deseo de continuidad musical, de unidad que la vieja forma de la variación le ofrece. Pero nos avisa que su estilo es otro, que “los que la van a escuchar no encontrarán en ella [las Variaciones, Op.30] esas notas que están acostumbrados a ver normalmente”. El pequeño tema, apenas un inciso a modo de introducción, un par de compases a cargo del contrabajo y el oboe contiene ya en potencia –y eso lo entusiasma- las seis variaciones que le suceden. Concentración máxima, apenas ocho minutos, pero que reclaman nuestra atención con tal intensidad que parecen dilatarse. Nada es superfluo. Él empleó más de un año de apasionado trabajo para estos pocos pentagramas para orquesta de cámara.
Y estas músicas siguen dialogando con nosotros y sorprendiéndonos. Merece la pena abrir bien los oídos, despojarnos de los prejuicios y atender a esos sonidos de hace un siglo, que siguen sonando tan inéditos, tan distintos.

De hecho, París se puede enorgullecer de ser la única ciudad del mundo cuyos archivos albergan un registro casi completo de más de un siglo y medio de transformaciones. Estas visiones intentan embotellar un poquito de esa atmósfera parisina, algo de esa poesía particular que emana de las piedras y de los habitantes de una ciudad que muda constantemente y que ha inspirado a tantos escritores y artistas a lo largo del tiempo. París, retrato de una ciudad es un estimulante mosaico de imágenes del pasado y el presente, un estudio fotográfico inmenso y único que, en cierto modo, es el verdadero álbum familiar de todos los parisinos. A ellos y a todos los amantes de esta ciudad capital es a quienes está dedicado este testimonio vibrante, afectuoso y tierno. Un recorrido fotográfico único y exhaustivo que reúne a más de 150 fotógrafos ilustres y más de 500 imágenes de culto de la historia de París cedidas por archivos y colecciones privadas. Incluye un índice biográfico de los fotógrafos.

Optimista, chispeante y romántica esta novela ha sido publicada por una pequeña editorial alemana y escrita por un misterioso y esquivo autor alérgico a la prensa, La sonrisa de las mujeres es una deliciosa comedia romántica.

Aurélie, propietaria de un pequeño restaurante en París, destrozada porque su novio le acaba de abandonar,encuentra por casualidad un libro, La sonrisa de las mujeres, que no sólo le salva la vida, sino que... cuenta su propia vida. Encantada e intrigada, contacta con la editorial, deseosa de conoceral autor, pero allí se topa con un adusto editor que, incomprensiblemente, no hace más que ponerabsurdas pegas para que no se produzca el encuentro de Aurélie con el misterioso escritor.

El trabajo que conocimos hace años, el de horario de 9 de la mañana a 5 de la tarde, o de 8 a 3, el que consideramos habitual se esta modificando rápidamente por una serie de nuevos componentes, un mundo más globalizado y al tiempo precario en que mucha gente, no solo la de tú ciudad, si no la de otras ciudades y otros países que pueden concurrir a tú mismo trabajo que tampoco va a ser solo la silla y la mesa habitual.

Las nuevas tecnologías y los dispositivos móviles pueden hacer que se este trabajando on line desde cualquier parte y a cualquier hora. Ello tiene sus ventajas como toda incorporación tecnológica, pero también perversos inconvenientes de los que destaca la fragmentación del trabajo. Ya no acabas de trabajar a las 3 o las 7 de la tarde, el iPhone o el iPad te posibilita estar conectado de manera permanente, extraes la información necesaria de tu ordenador o directamente de la nube, igual que la música, los periódicos, o programas informáticos. La conectividad informática va posibilitando que cada vez el trabajo este fragmentado, sin horarios.

Incluso el equipamiento doméstico de dispositivos móviles suele ser más avanzado que con el que se trabaja en la empresa o la administración, más avanzado y más atractivo para estar atrapado todo el día. A veces estás durmiendo y piensas que antes de ir a trabajar tienes que mandar algún correo o ver alguna cuenta a través del dispositivo móvil.

La fragmentación conlleva un mayor o menor grado de aislamiento, tú y tus dispositivos pueden funcionar para trabajar casi sin la compañía de nadie. En un futuro que ya esta aquí, médicos residentes en Málaga pueden operar a través de ordenadores y robots a una persona en un hospital de Santiago de Chile. No ves a tus colegas y al enfermo más que a través de los dispositivos electrónicos, trabajas aislado, no tienes horarios.

Como podemos recuperar la vida fragmentada y darle un mayor nivel de cohesión. El ritmo del trabajo actual es mucho más rápido que el que conocemos como habitual, requiere de dedicación al estudio, a la innovación en cada área de trabajo si se quiere progresar. La especialización es fundamental en un mundo más competitivo. Pero, como podemos recuperar la vida fragmentada y darle un mayor nivel de cohesión? La psicóloga Lynda Gratton se lo plantea de manera clara: establecer prioridades en el trabajo y en la vida. Para hacer frente a la fragmentación hay que establecer horarios que permitan recuperar el sentido de la privacidad. No hay que leer todos los emails, ni a todas horas.

Establecer prioridades y compartir con los demás, hacer solo las cosas facilita la fragmentación. El aislamiento es la génesis de la soledad, que precede a la ansiedad y la depresión. El mundo de la Nube y de los elementos holográficos es básico para un trabajo avanzado, pero no pueden dejar de ser meros instrumentos o complementos, no son sustitutivos de las prioridades de la vida.

En las encuestas sociológicas que periódicamente se realizan por instituciones se detecta claramente que los niveles de felicidad han disminuido en los últimos treinta años, al tiempo que el número de personas deprimidas crece. Hace unos años hacia una referencia similar a nivel urbanístico, como se enfrenta un ciudadano cuando sale cada día a la calle, con confianza, o con incertidumbre de lo que va a ser el día: atascos de tráfico, retrasos en el transporte público, 40 emails esperando…

Establecer prioridades, compartir con los demás, y buscar la confianza en las expectativas de futuro como forma de eliminar o suavizar la incertidumbre.

El sistema que hemos padecido en las últimas décadas, básicamente desde la caída del muro de Berlín, el famoso fin de la historia, que nos ha arrastrado a la actual depresión tiene unos claros responsables, instituciones financieras y gobiernos que han consentido cualquier tipo de desmanes, pero también las personas que se subieron al carro del progreso efímero y del consumo voraz, que aumentaron temporalmente sus ingresos económicos, sus expectativas, pero también sus deseos narsicistas de un hedonismo que no conduce precisamente a la felicidad, sino al aislamiento y la soledad.

Tengo unos amigos que no tienen coche y que tampoco tiene casa en propiedad. Trabajan aunque de forma no continua, no porque estén en paro, sino porque prefieren tener tiempo libre para hacer cosas que les gusten y les realicen personalmente. Como viven en el centro de la ciudad tiene prácticamente todos los servicios a mano y no les hace falta el coche. Si se tienen que mover más lejos cogen el transporte público, y en ocasiones para ciertos viajes alquilan un coche. Sus hijos van andando al colegio. Han fijado sus prioridades y buscan el sentido y el placer en su forma de vida. De eso hablaba el viejo Carlos Marx, de la necesidad de realización personal en el trabajo y la vida como un elemento ajeno al análisis del valor trabajo de Adam Smith y David Ricardo.

El trabajo tradicional esta cambiando rápidamente al tecnológico, pero mantener el equilibrio, tener tiempo para todo, es fundamental.

Establecer prioridades, compartir con los demás,  buscar la confianza, y tener empatia, estar abierto a la comunicación con la gente, base de la inteligencia emocional. M4

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El polvorín continuo que han representado los Balcanes durante el siglo XX han sido sin embargo territorio de singulares creadores que tamizados por las convulsiones culturales del “socialismo de mercado” de Tito, contrapuesto a la nomenclatura soviética, acabaron triunfando en occidente.

Marina Abramovic puede encajar en este tipo de personas, pero también en el ser humano más genérico atormentado por una madre con la que solo puede haber tenido relaciones de amor-odio. El amor es un aspecto esencial en The Life, sus emociones, sus desilusiones se plasman continuamente en el relato holográfico que Wilson ha adaptado con genialidad. Acepto desarrollar su nueva biografía entrando en todo tipo de información que María le pudiese proporcionar, incluyendo cartas privadas que escarbaran en sus más escondidos dolores.

Wilson lo sitúa en su habitual contexto espacio-tiempo, y el temor inicial ante la nueva obra, sobre si sus formas inusuales, rompedoras desde hace cuarenta años, siguiesen vigentes o comenzaran a estar caducas, desaparece súbitamente. La puesta en escena es realmente maestra, los personajes, las instalaciones, la esplendida iluminación, y el relato circular de la vida de Abramovic mantienen la expectación en todo momento.

No es la primera vez que Marina recurre a la biografía como espectáculo de sus performances, como una necesidad de su persona emocional. En 2009 desarrollo Marina Abramovic Presents, previamente lo hizo en 1997 con Michael Laub, The Biography Remix,  y así tres veces más.

Necesidades de periódicas revisiones a su vida, de reordenar sus sentimientos. De mostrar el hedonismo sin tapujos? O sus incertidumbres, dudas y dolores?. Marina se muestra humana, delicada y a veces frágil frente a la imagen de dureza que aparenta. El epilogo de The Life así lo indica, al final todo se reduce al dolor del amor perdido, al engaño, a la infelicidad, pero con un auto reto final: adiós a las lagrimas, segura.
Sobre Willem Dafoe recarga el mayor peso del hilo argumental de las dos horas largas de la obra. Relata de forma diversa la vida de Marina, a veces como un oficial administrativo ejemplar, a veces como un enloquecido jocker. Su trabajo sorprende por su contundencia y elasticidad, se mueve y baila bien, y canta correctamente.

La colaboración de Anthony es la aparición de un ángel, su apariencia física, sus duras letras y su tierna voz dan un elemento sonoro que ya es habitual a quienes lo han conocido con su grupo Anthony and the Johnsons y que se basa en el tremendo poder de voz que transmite.

Svetlana Spajic, también servia, colabora en The Life aportando la sustancia cultural del antiguo canto balcánico, del dolor y pesar intemporal que ha padecido este territorio desde los confines de la historia. La mezcla de música de Svetlana y las intromisiones verbales contemporáneas que le introduce Marina produce momentos sublimes de relación del pasado con el presente.

El equipo de trabajo es realmente bueno, el iluminador A.J. Weissbarg o el diseñador de sonido Nick Jagar. Difícilmente se puede ver un trabajo tan rotundo. La pregunta obligada es: continuara María necesitando más biografías corales, goodbay tears. M4

Programa en tve

La otra vida de Abramovic

Espectáculo fascinante

Llanuras de tedio, picos de genialidad

Choque de trenes

Las pinturas de Franz Ackermann constituyen la crónica de sus impresiones tragicómicas de sus viajes. Las explosiones psicodélicas,  la niebla densa y paisajes modulares ofrecen un corte transversal de un mundo apocalíptico. Explorando las diferencias culturales, él visita lugares diferentes en el mundo entero buscando algo insólito. El artista transmite sus experiencias de viajes a los espectadores por sus trabajos. Delante de sus pinturas, uno también comunica tanto sus experiencias pasadas como su imaginación. Franz Ackermann define su trabajo como ” mapas mentales “. Cada lona calidoscópica configura las impresiones del artista de un cierto lugar. Composiciones geométricas guardan el registro de los pensamientos del artista y sentimientos dirigidos a un lugar geográfico concreto al mismo tiempo. Las impresiones de Ackermann de las complejidades del mundo son intensificadas por materiales y objetos. Es una forma de describir el mundo, pero también de configurar algo nuevo de una escena ya conocida.

El artista emplea imágenes bidimensionales para derribar la relación entre la pintura y la imagen espacial. Los bricolages y ornamentos parecen seguir una fuerza caótica y dinámica liberada de la gravedad para ampliarse. Ackermann invita a los espectadores a que se adentren en los laberintos de su mundo.

Franz Ackermann estudió en Múnich en la Academia de Bellas Artes desde 1984 a 1988 y en Hamburgo en la Academia de Bellas Artes a partir de 1989 hasta 1991. Sus trabajos están en numerosas colecciones públicas y privadas de todo el mundo. El artista vive y trabaja en Berlín.

Adagio para cuerdas, S. Barber
Concierto de Aranjuez, J. Rodrigo
Sinfonía nº 5 en mi menor, Op.64, P.I. Tchaikovsky

Estamos ante compositores totalmente dueños de sus medios, con un fuerte sentido de la forma musical, preocupados por el éxito en ese apasionante, y para ellos imprescindible reto de tender lazos hacia los oyentes.
Esta música tan abiertamente emocional nos enfrenta a los posibles vínculos con otros ámbitos artísticos, con otras realidades no musicales y que, aun entrañando un riesgo de banalidad, la enriquecen. Así el Adagio para cuerdas de Samuel Barber (1910-1981), cuyo estreno en 1938 en su versión sinfónica (del segundo movimiento de su Cuarteto de cuerda), se ha convertido, como refiere Alex Ross (otro autor que sabe bien lo que es el éxito) en un símbolo de cohesión para los estadounidenses cuando han de enfrentarse a alguna catástrofe colectiva. La untuosidad y el legato de las cuerdas de Barber da paso a la discontinuidad de la guitarra del Concierto de Aranjuez de Joaquín Rodrigo (1901-1999), solo un año posterior, en cuyo celebérrimo “Adagio” hay quien ha visto un lamento por la recién concluida Guerra Civil española. Aunque Rodrigo, por su parte, sugiere “tiempos pasados, los hermosos jardines de Aranjuez, sus fuentes, sus árboles, sus pájaros”. En el mismo 1939 la fábrica de hacer canciones populares, la Tin Pan Alley, lanzaba un nuevo tema, Moon Love. La melodía tenía algo más de cincuenta años: era el tema inicial, encargado a la trompa, del “Andante cantabile” de la Quinta sinfonía de Piotr Ilich Tchaikovsky (1840-1893). El compositor había anotado entonces en la partitura, “¡Oh, cómo te amo! ¡Oh, mi amor!” y multiplicó las indicaciones a los músicos, Dolce molto espressivo, Animado, Sostenuto, Con desiderio e passione, Con tutta forza, Dolcissimo.
La cara más terrenal de los artistas reaparece, cuando, por ejemplo, Tchaikovsky, siempre tan inseguro acerca de su música, refiere tras los aplausos en un concierto: “Lo mejor de todo es que ya no encuentro horrible la sinfonía [refiriéndose a la Quinta] y me empieza a gustar de nuevo”. O cuando Rodrigo preguntado por enésima vez acerca de su inspiración justificó: “Desgraciadamente, yo no pensaba en otra cosa que el tal Concierto me saliera lo mejor posible, gustara y se tocara mucho”.

Comedia y drama de cuatro familias atrapadas en la crisis económica y en la crisis de los valores como el amor, la generosidad y la convivencia.  Pieza teatral que narra la frustración, el desasosiego y  la impotencia de una clase trabajadora que no logra salir adelante aunque haga todos los esfuerzos para ello. También encontramos personajes que, como la propia escalera,  encarnan la demagogia y la inmobiblidad del sistema. En la escalera del edificio encontramos, así como en la sociedad de postguerra, una mayor parte de personas que viven sin ninguna proyección hacia el futuro debido a la imposibilidad económica, y unos vecinos minoritarios que encarna esa pequeña parte de la sociedad que en aquellos momentos contaba en España con medios para progresar.

El elenco de actores es el siguiente:

Sr. Juan y Paca (Antonio Caparrós y Chiqui Sánchez)
Rosa (Begoña Pernia)
Trini (Antonia Caminero)
Urbano (Francisco Botín)
D. Manuel (Antonio Requena)
Elvira (Mª Carmen Fernández)
Dña. Generosa (Milagros Benito)
Carmina (Mercedes Verdugo)
Pepe (Adrián Rodríguez)
Dña. Asunción (Estrella de la Torre)
Fernando (Manuel Arrarás)
Fernando hijo (Manuel Rocha)
Carmina hija (Sara Herrera)
Manolin (Adrián Rodriguez)
Cobrador de la luz (Antonio Caparrós)

A medida que la carrera de la Hepburn se disparaba a partir de su oscarizado debut norteamericano con Vacaciones en Roma, Willoughby se fue convirtiendo en un amigo de confianza, que capturó su vida profesional y privada. Sus fotografías históricas, perfeccionistas y tiernas buscan reflejar las muchas facetas de la belleza y la elegancia de la Hepburn, desde su debut a su cumbre profesional en My Fair Lady (o Mi bella dama) de 1963. Las fotografías de Willoughby, que la muestran en el plató, preparándose para una escena, interactuando con actores y directores y regresando a su vida privada, nos muestran uno de los grandes romances platónicos dentro del mundo de la fotografía, además de ser un documento sin parangón de una de las bellezas angulares del siglo XX.

Mucha gente hace cola en el Palais para entrar en la exposición restrocpectiva de Helmut Newton (1920-2004). En mangas de camisa y con la chaqueta en los brazos se aguanta difícilmente al sol. Pero la gente que va en los primeros días a la exposición quieren mantener una aderezo en consonancia con el homenajeado. En el interior hay mucha similitud entre las fotografías de Newton y muchas de las visitantes que parecen desdoblarse desde las paredes. Fotos ya muy conocidas realizadas para Vogue, Elle, Interieur, Men’s Fashion, calendarios como el de Pentax, o fotos de amigos y conocidos jalonan una exposición esplendida.

Señoras burguesas ya ancianas, elegantemente vestidas, recuerdan los fantásticos vestidos pop de los sesenta y  comparten opiniones sobre los famosos desnudos de “elles viennent”. Seria posible ver esa escena en un museo de Málaga? Icono del glamour, su imagen va vinculada siempre a la belleza y al erotismo. Su fundación www.helmutnewton.com  ha mantenido su legado y colaborado con el Palais www.rmngp.fr

M4

Cinco años y más de cincuenta canciones que nos suenan como parte de nuestra vida, Dylan sigue tocando en directo, ahora en Sudamérica y este verano en Montreaux, Lyon o Benicassim. Casi 25 años de gira interminable, de nunca acabar: Never Ending Tour. www.citedelamusique.fr/francais/Default.aspx
www.bobdylan.com/us/home

M4

La exposición se mantendrá hasta el 17 de junio

La trama se sitúa en torno a 1923. La situación social parece a punto de estallar en España: huelgas y asesinatos ahogan el país mientras el movimiento anarquista cobra fuerza entre las clases débiles. Los generales, con Primo de Rivera a la cabeza, toman el poder para salvar el trono de Alfonso XIII e inician una feroz represión militar contra los anarquistas. Ya no queda un lugar seguro en el país para sus militantes, perseguidos y sin recursos para continuar la lucha. Buenaventura Durruti y Francisco Ascaso, dos de sus más destacados dirigentes, esperan exiliados en París la oportunidad de ajustar cuentas con el régimen cuando deciden emprender su aventura americana. Cruzarán el Atlántico en busca del sueño revolucionario, pero el inspector de policía Ernesto Valenzuela no conocerá fronteras a la hora de acabar con los dos últimos héroes del anarquismo español.

Una espléndida novela sobre la amistad inquebrantable de dos hombres convencidos de su ideario de justicia universal y enfrentados a un cazador implacable; un amor que lucha por sobrevivir entre el fuego cruzado y una rivalidad llevada hasta las últimas consecuencias en un final épico, tras una persecución trepidante que nos lleva por Europa y Latinoamérica, y nos muestra las luces y sombras del movimiento anarquista.

Jorge Díaz (Alicante, 1962) es periodista y guionista de televisión. Tras finalizar los estudios de Periodismo comenzó su carrera en la radio, medio que abandonó por la televisión. Trabajó en concursos, magazines y programas de todo tipo, incluida la dirección de La noche prohibida. Después de esta experiencia, pasó a escribir guiones para series de televisión, labor que desempeña con gran éxito desde hace quince años. Es uno de los creadores y ha sido coordinador de guiones de Hospital Central, la serie más longeva de la televisión española y con la que ha cosechado todos los premios de la profesión, el TP y el Ondas entre otros muchos. Cuando sintió que no podría inventar ni una enfermedad más, dejó la serie y se marchó de año sabático a Brasil, de donde regresó con su primera novela, Los números del elefante, debajo del brazo. Ahora ha retomado sus dos pasiones: ha vuelto a la coordinación de guiones, y publica La justicia de los Errantes, su segunda novela.

Teatro de los Orígenes Laboratorio cierra su serie Ph (Performances Hilvadanas) con este espectáculo, un juego en el que el espectador se verá atrapado desde su inicio.

En Pequeño estudio para un retrato, el texto de Miguel Palacios que se toma como base para este espectáculo, se habla del hombre contemporáneo enterrado en el laberinto de las oficinas, arrastrando la tragedia de renunciar a su esencia metafísica a causa de la presión que la sociedad de consumo ejerce sobre él para que dirija sus pulsiones exclusivamente hacia lo material, lo tangible y lo comprensible.
Teatro de los Orígenes utiliza ese texto para explorar el universo emocional a través de la performance, y construir una serie de espectáculos que se sitúan entre el happening, la dramaturgia de la complejidad y el teatro de imagen y que vinieron a titular: PH (Performances Hilvanadas), de la que ahora presentan la última ceremonia, Ph14 (Génesis).
En octubre 2009 comenzaron los ensayos de Ph0 (Pequeño estudio para un retrato) y con ellos un proceso ininterrumpido de experimentación que partió de la dramaturgia de la complejidad, que fue hacia la performance y que volvió a la complejidad a través del teatro de la imagen. Un camino en el que no han cesado de investigar para enriquecer el espectáculo y hacerlo más fiel a un mundo y a un público que también han estado en constante evolución.
Ph14 (Génesis) es la última ceremonia de la serie PH, la que recoge la esencia de todas las demás y abre las puertas hacia el futuro de Teatro de los Orígenes Laboratorio. El espectáculo adquiere la forma de recorrido y se desarrolla en 6  espacios diferentes, algunos de ellos incluso divididos en varios compartimentos que el espectador recorrerá a lo largo de 90 minutos en una especie de juego en el que se verá atrapado.

Se ofrecerán dos funciones, una el martes 27 a las 21.00 horas y otra el miércoles 28 a la misma hora. El precio es de 16 euros.

 

Chagall  fue un artista insólito, representa la esencia de los avatares de la Europa del siglo XX. Nace en Vitebsk  (Rusia) en 1887 y vive el exilio, la guerra, la persecución y el exterminio del pueblo judío. Sufre dos guerras que le obligan a viajar a Francia y Estados Unidos, para finalmente instalarse en el sur de Francia,  país que había reconocido su obra y donde vivió su periodo creativo más fructífero, y muere a los 98 años en Saint Paul de Vence.

Esta exposición nos descubre a un pintor inclasificable. Amigo de intelectuales y artistas de su generación, entre ellos: Matisse, Picasso, Breton, Blaise Cendras, André Malraux, Rafael Alberti… Renegó de las vanguardias del siglo veinte y no quiso pertenecer  a ninguna de ellas, a pesar de que el movimiento surrealista intentara apropiarse de su imaginario relacionado con lo sobrenatural y los sueños.

Chagall nunca abandonó en su pintura las vivencias de su infancia rusa, marcada por una educación judía, siendo recurrente en su pintura la presencia de iconos de la tradición pictórica ortodoxa. La música,  un continuo referente en su obra, viene representada por un violinista que amenizaba  las fiestas y celebraciones de la comunidad judía. El mundo del circo, con sus  trapecistas, payasos, saltimbanquis y animales míticos  como manifestación de la fantasía y la magia que acompañan la infancia.

El amor esta siempre presente y son comunes en su obra las parejas de amantes, en algunas ocasiones celebrando su boda y en otras simplemente abrazados, flotando en alguna de las diagonales de la composición pictórica. Ese amor también lo representa explorando las relaciones familiares, la nostalgia del tiempo vivido en Rusia y la relaciones con la naturaleza que le inundan de una necesidad de libertad, otro de los mitos del artista que siempre vivió el exilio como una fuente inagotable de inspiración a través del dolor y la  tristeza. Los animales  sugieren algo sobrenatural, bíblico, mitológico, donde los humanos también participan.

La naturaleza, también la relaciona con el amor por la belleza, pintando reiteradamente ramos de flores, unas veces como símbolo de un compromiso, otras simplemente, como disfrute estético.

Lo que realmente emociona, impacta, y sobresale en esta exposición es el uso del color,  Chagall nos regala una paleta vibrante, luminosa, donde el azul Prusia y el rojo carmín dominan los lienzos, trasmitiendo al espectador  sentimientos de miedo y pasión que posiblemente acompañaron al artista a lo largo de su dilatada vida.

Esta exposición es una oportunidad irrepetible para sentir las necesidades existenciales del ser humano como el amor, la naturaleza, la música y la magia, a través de uno de los artistas más singular del siglo XX.
 

c&c